Dialogues des carmélites: Terreur et beauté

Merveilleux après-midi à l'opéra, samedi à Jonquière.
Dialogues des carmélites de Francis Poulenc, une oeuvre magnifique, présentée par une équipe formidable au Metropolitan Opera. Je n'étais pas sûre d'aimer cette histoire de religieuses martyres, et pourtant, j'ai savouré le spectacle du début à la fin.
D'abord la musique, extraordinairement nuancée, subtile, couleurs, tempis, volumes, accents très divers mais unifiés dans le style unique -et français- de Poulenc.
L'orchestre, sous la baguette de Yannick Nézet-Séguin, découpe, sculpte, attaque ou accompagne d'une façon extraordinaire tout ce qui se passe, comme s'il était lui-même sur la scène, le son semblant se déplacer pour envelopper un(e) solo, un dialogue, un ensemble, une expression, un élément du décor. À la fin, les coups de cymbales qui ponctuent le passage de chaque religieuse sous la guillotine tandis que les soeurs restantes continuent de chanter le Salve Regina: tout cela est bouleversant.
En définitive, si le drame est intense et lourd, appuyé par la scénographie "austère et terrifiante" de David Reppa, si plusieurs passages (mise en scène de John Dexter) portent l'émotion à son paroxysme, l'oeuvre est finalement belle et lumineuse. Parce que c'est un chef-d'oeuvre absolu!

Dans cette production, chaque artiste, des plus petits rôles jusqu'aux plus grands, donne le maximum de son talent et de ses capacités pour produire un grand ensemble qui fonctionne dans les moindres détails. Tous déploient une diction de grande qualité qui fait ressortir toute la richesse du texte français.

Quelles interprètes! Plusieurs femmes, bien entendu. Dans le premier rôle, celui de la jeune novice Blanche de La Force, la mezzo-soprano Isabel Leonard associe un jeu dramatique saisissant à son chant pur et presque divin.
Tout comme ses compagnes, Erin Morley (soeur Constance), Karin Cargill (mère Marie). Et que dire de Karita Mattila, (photo ci-dessous) donnant vie (et mort) à la vieille prieure qui se tord de douleur et meurt sous nos yeux en s'interrogeant sur l'existence de Dieu, sur l'utilité de sa longue vie religieuse...

Excellente prestation aussi de la soprano canadienne Adrianne Pieczonka, excellente dans le personnage souriant et bienveillant de la nouvelle prieure. Petit rôle aussi très bien assumé pour la mezzo-soprano canadienne Emily d’Angelo, celui de soeur Mathilde qui se méfie de Blanche. Chaque caractère est d'ailleurs découpé avec un minimum d'éléments et un maximum de précision. Joyeuse, inquiète, simple, passionnée: chacune a sa manière d'être, parfaitement définie par le jeu, la musique, l'action.
Leurs points de vue aussi sont différents: au-delà d'un drame illustrant la cruauté des hommes (l'histoire est inspirée d'un fait réel: sous la Terreur, le guillotinage d'un groupe de Carmélites de Compiègne), l'oeuvre nous interroge sur la vie, la mort, le sacrifice, la peur, l'âme, le matériel et le spirituel, les croyances...

Du côté des hommes, le ténor David Portillo est superbe dans le rôle du Chevalier de la Force, frère de Blanche. Timbre délicat et agréable, justesse sans faille, jeu impeccable.

Le baryton Jean-François Lapointe, qui incarne son père (et celui de Blanche) le Marquis de la Force, se montre comme toujours à la fois souple et solide vocalement, et précis dramatiquement, dans la première scène, la seule (tout de même assez consistante) où il apparaît. Appelé à remplacer celui qui devait jouer le rôle à l'origine, il offre un émouvant échange père-fille avec Isabel Leonard (photo ci-dessus) et se montre en parfaite harmonie avec le reste de l'équipe.
D'ailleurs le cinéma Apéro était presque plein, nul doute que plusieurs de ses fans saguenéens y étaient pour quelque chose.

Photos: Ken Howard, Metropolitan Opera

 

Eugène Onéguine au Met: menus détails

Ce qui m'a le plus intéressée dans la projection d'Eugène Onéguine, ce sont des détails non reliés à l'opéra lui-même.
Par exemple à l'entracte, trois des chanteuses, russes, expliquaient, avec un fort accent et un peu de difficulté à trouver leurs mots en anglais, combien le roman en vers de Pouchkine, Eugène Onéguine (sur lequel est basé l'opéra), était important pour elles: il fait partie de la culture de tous les Russes: ils l'étudient à l'école, connaissent l'oeuvre sous tous ses aspects et en apprennent plusieurs passages par coeur. Ils s'identifient souvent à l'un ou l'autre des personnages.
Anna Netrebko (Tatiana) ajoutait d'ailleurs trouver dommage que l'opéra ne puisse rendre compte de toute la richesse, de toute la subtilité, de toutes les nuances de l'oeuvre de Pouchkine.

C'est aussi mon avis: je préfère nettement le roman.
Elena Zaremba, qui joue la mère de Tatiana et d'Olga a chanté autrefois le rôle de Tatiana sur diverses scènes.
Petit reportage aussi sur les lustres du Metropolitan Opera, la genèse de leur conception. Une tache de peinture blanche échappée par mégarde sur un croquis a inspiré à l'architecte Tadeusz Leski l'idée d'une explosion de lignes partant du centre. D'où ce motif de boule de cristal garnie de fines tiges, que l'on surnomme affectueusement spoutnik.

On peut en acheter des répliques à la boutique du Metropolitan Opera, si on est prêt à débourser plusieurs milliers de dollars!

Pour le reste, j'ai retenu la performance de Peter Mattei, le magnifique baryton qui incarne Onéguine. Grand, élégant, en plein contrôle de sa belle voix, il joue et chante à merveille ce rôle qui semble fait pour lui.
Anna Netrebko: beaucoup d'expérience et de savoir-faire, vocalement impeccable, mais elle n'est pas très crédible dans le rôle de la jeune et naïve Tatiana. Meilleure dans la même Tatiana devenue grande dame, au dernier acte.
Alexey Dolgov, dans le rôle du poète Lenski: bon acteur mais une voix sans charme qui manque singulièrement de volume.
Décors somptueux, mise en scène brillante, avec force valses et cotillons... mais les immenses colonnes du dernier acte cachaient la moitié des danseurs!

Eugène Onéguine, de Piotr Ilitch Tchaïkovski
En direct du Metropolitan Opera
Vu le samedi 22 avril 2017
Au Cinéma Apéro de Jonquière

Vent et mouvement

Valérie Milot (photo: Krystine Buisson, Le Nouvelliste)

Nous y allions pour la Septième, bien sûr. Présentée en deuxième partie, elle m'a entièrement comblée. L'extraordinaire 2e mouvement, allegretto qui s'ouvre andante, s'amplifie, danse, marche et s'achève sur une note très douce, comme suspendue dans le temps et l'espace.
Non seulement entendre, mais voir jouer cette oeuvre géniale, observer le travail des sections et desinstrumentistes, comment le relais passe des uns aux autres: un régal!
La fougue du chef qui insiste sur les passages emportés et passionnés: une fin de concert éblouissante. Le public, très nombreux, a applaudi longtemps, mais après une telle oeuvre et une telle prestation, il n'y avait pas de rappel possible, histoire de nous laisser goûter encore longtemps ce que nous venions d'entendre.
Le duo flûte et harpe, en accord avec l'orchestre, a été aussi très bien, avec cette agilité des deux musiciennes à se répondre, à reprendre chacune les mélodies et les variations du merveilleux Mozart: on entendait très bien chacun des deux instruments qui par essence ne sonnent pas très fort.
Pour la première oeuvre, c'était bien que le chef donne quelques explications  avant de la jouer, cela nous a permis de bien suivre le développement de ces notes et accords un peu étranges. Son amis Nicolas Gilbert, le compositeur de cette pièce, a aussi écrit un roman intitulé Le joueur de triangle, racontant la vie d'un musicien d'orchestre. Le personnage du chef de l'orchestre a été inspiré à l'auteur par Jean-Michel Malouf, nous soulignait ce dernier.

Concert : Vent et mouvement
Orchestre symphonique du Saguenay-Lac-Saint-Jean
Chef: Jean-Michel Malouf
Solistes: Valérie Milot, harpe, Louise Bouchard, flûte
Programme: Nicolas Gilbert: À l'Aube
Wolfgang Amadeus Mozart: Concerto pour flûte et harpe en do majeur KV 299
Ludwig Van Beethoven: Symphonie en la majeur no 7

Le dimanche 26 mars 2017 au Théâtre Banque nationale, Saguenay

La Traviata: prouesses et profondeur

Performance éblouissante de Sonya Yoncheva, qui offre une Violetta idéale: technique impeccable, nuances, prouesses vocales. Et un jeu inspiré: on peut suivre chaque frémissement de son âme dans ses gestes et sa physionomie, tout en s'abandonnant à sa voix magnifique.

J'étais étonnée d'entendre, à l'entracte, l'anglais impeccable du ténor Michael Fabiano, qui incarne son amant Alfredo: je le croyais italien vu son nom... mais il est étasunien! L'air d'abord un peu niais dans son costume étriqué, il s'affirme comme homme et amant au fur et à mesure que l'action progresse: superbe!
Dommage que le baryton Thomas Hampson ne soit pas à la hauteur, avec sa voix fatiguée et son jeu sans nuances, incapable de rendre justice à l'extraordinaire partition écrite par Verdi pour le personnage de Georgio Germont, l'homme ordinaire et néanmoins source de tout ce drame.
Partie orchestrale formidable, et sur scène, des arias connues qui se succèdent, Sempre libera, Addio del passato, Di Provenza il mar:  tellement de belle musique qu'on frôle la saturation, et pourtant on en redemande.
Scénographie remarquable de Wolfgang Gussmann (que j'avais vue en 2012): la grande horloge et le médecin évoquent la fatalité du destin, la robe rouge de Violetta est un personnage à elle seule, les jeux de vêtements et de tissus marquent les pulsations du drame.
Encore une fois, un bel après-midi à l'opéra.

La Traviata, de Giuseppe Verdi
En direct du Metropolitan Opera
Vu le 11 mars 2017 au Cinéma Jonquière

En complément:
Article de Christophe Huss dans le Devoir

 

Musique d'un océan à l'autre: deux octuors

Deux quatuors solides et expérimentés, l'un du Saguenay l'autre de Victoria en Colombie-Britannique se sont unis pour présenter deux oeuvres rarement jouées et vraiment extraordinaires. 

Le Quatuor Lafayette, fondé en 1986, est le seul ensemble musical au monde à comprendre les mêmes artistes qu'à sa fondation, et ce sont quatre femmes. Le Quatuor Saguenay (anciennement Alcan) réunit quant à lui deux femmes et deux hommes.
Je ne connaissais pas du tout Niels Gade, un compositeur danois qui a parfois travaillé avec Mendelssohn.
Sa musique est intense, très belle, facile d'accès. Et l'octuor de Mendelssohn est un chef-d'oeuvre absolu.
Ces formidables musiciens ont rendu justice aux oeuvres et complètement envoûté le public réuni dans la salle du Conservatoire (à 17h pour moi, le concert fut répété à 20h).

Un son riche, des nuances infinies, un accord parfait entre tous et toutes: bonheur total, vraiment.

Interprètes: Quatuor Saguenay, Quatuor Lafayette
Programme: deux octuors à cordes
Niels Wilhem Gade op 17, Félix Mendelssohn op. 20
Le mardi 13 février 2017, à la salle Jacques-Clément du Conservatoire de Saguenay

Idoménée, roi de Crète

Idomeneo, re di Creta, de Mozart, en direct du Metropolitan Opera
Vu le samedi 25 mars 2017 au Cinéma Apéro de Jonquière

Un opéra moins connu de Mozart, on se demande pourquoi.
Superbe production, signée Jean-Pierre Ponnelle.

Les plus:
1 - La fabuleuse musique du génial Wolfgang Amadeus.
2 - Matthew Polenzani en Idoménée: voix, physique, émotion: il EST ce roi tourmenté à la perspective de sacrifier son fils au dieu Neptune. Les ornementations ne lui font pas peur, comme on peut le voir sur cette vidéo:
https://www.youtube.com/watch?v=FXzECHpshmI
3 - Elza van den Heever en Elettra, le faux accord dans cette symphonie de personnages bons, purs et aimants.  Dans son immense robe noire, avec rouge à lèvres et maquillage outré (on pense à la Reine de la Nuit) elle chante avec une parfaite maîtrise et nous offre un jeu intense légèrement teinté de second degré.
4 - Nadine Sierra, qui chante le rôle d'Ilia avec une voix fraîche et pure.
5 - Mise en scène dépouillée, décor unique, choeurs, jeu des interprètes.
6 - L'orchestre du Met, dirigé par le toujours magistral(!) James Levine. Pendant un entracte, une vidéo nous le montre, beaucoup plus jeune, en répétition avec Jessye Norman (elle aussi très jeune) pour l'opéra Ariadne auf Naxos: fabuleux!

Les moins:
1 - Alice Coote, dans le rôle d'Idamante, fils d'Idoménée et amoureux d'Ilia, est le maillon faible de ce quatuor d'interprètes. Mal à l'aise, peu expressive, elle chante correctement, mais sans éclat.
2 - Deux entractes interminables, inexplicablement vu qu'il n'y a pas de changement de décor.
3 - Le troisième et dernier acte. Sauf le grand air de la folie d'Électre, absolument magnifique, cette partie m'a semblé (peut-être à cause du long entracte qui avait précédé) moins intéressante musicalement que les précédentes.

Ces quelques irritants n'ont toutefois pas gâché mon plaisir et j'ai passé un après-midi magique.

Charles-Richard Hamelin et le Quatuor Saguenay

Charles-Richard Hamelin et le Quatuor Saguenay

Le vendredi 20 janvier 2017 au Théâtre Banque nationale de Chicoutimi

 

Superbe concert réunissant le pianiste Charles- Richard Hamelin et le Quatuor Saguenay (autrefois Quatuor Alcan). Un début un peu difficile d'accès, selon moi, avec la grande sonate no. 1 de Robert Schumann: oeuvre longue, pas toujours intéressante dans ses développements. Mais le pianiste a su trouver des accents qui accrochent, lui donner même à certains moments des couleurs qui faisaient penser au Chopin qui allait suivre. Il a su me captiver...

Puis la très connue polonaise  opus 53,  "Héroïque", de Chopin: oeuvre brillante... brillant pianiste qui l'a explorée et mise en valeur dans ses moindres nuances: merveilleux!

Le tout s'est terminé par le quintette pour piano et cordes de Brahms, où tant le pianiste que chacun des membres du Quatuor ont su faire merveille pour nous donner des moments absolument sublimes.

Article de Daniel Côté dans Le Quotidien: http://www.lapresse.ca/le-quotidien/arts/201701/21/01-506....

 

Perles et opéra

Complètement emballé par cette partition qu'il abordait pour la première fois, le chef italien Gianandrea Noseda a affirmé en entrevue qu'il la percevait comme une oeuvre regorgeant de perles, et qu'il se voyait lui-même comme un pêcheur qui devait trouver ces perles et les faire briller pour le public. C'est ma traduction libre des propos qu'il tenait à l'entracte, avec un accent italien si fort que son anglais ressemblait à du français!

Une belle image puisqu'il dirigeait, avec attention et passion, l'opéra Les Pêcheurs de perles, de Georges Bizet, au Metropolitan Opera de New York, retransmis en direct au cinéma Jonquière samedi.

(En voyant écrit le prénom de ce chef que je ne connaissais pas, je me suis demandé s'il ne pouvait pas s'agir d'une femme. Et j'ai alors réalisé que, en dix ans de retransmissions du Metropolitan, je n'ai jamais vu une femme au pupitre...)

Pour nous plonger d'emblée dans l'univers où se déroule le drame, la production du Met offre pendant l'ouverture des images de trois plongeurs évoluant lentement dans des eaux bleutées projetées sur un écran qui occupe la totalité verticale et horizontale de l'avant-scène.

(Diana Damrau)

Un début à la fois saisissant et apaisant, qui nous dispose à suivre cette histoire écrite dans un français magnifique (livret d'Eugène Cormon et Michel Carré) et une partition ponctuée de grands airs et de mélodies accrocheuses.

L'intrigue se déroule quelque part en Extrême-Orient (à Ceylan (Sri Lanka) dans le livret d'origine), dans un village où deux grands amis, Zurga et Nadir, pêcheurs de perles de leur état, aiment la même femme, la prêtresse hindoue Leïla, vouée au culte de Brahma.

Un ténor et un baryton qui se disputent les faveurs d'une belle soprano, le ténor l'emportant finalement... un air connu à l'opéra!!! C'est aussi la trame de Carmen, que Bizet signera dix ans plus tard, sauf que cette fois, c'est le baryton (Escamillo) qui gagnera le coeur de la belle!

J'ai bien aimé cette production. La musique est magnifique et les interprètes (quatre solistes au total) sont excellents. Le plus remarquable est le ténor Matthew Polenzani, qui joue Nadir. Son très émouvant "Je crois entendre encore",  où sa voix navigue avec aisance et pianissimo dans le registre aigu, a été chaleureusement applaudi au Met.

Le baryton Mariusz Kwiecień (on peut l'entendre avec Polenzani dans un extrait du célèbre duo "Au fond du temple saint", en cliquant sur l'image ci-dessus), n'a pas une voix très puissante, mais il joue bien et atteint une belle intensité dramatique dans la colère et le remords.

La voix de la soprano Diana Damrau s'avère en général juste et agile, même si son costume et ses voiles semblent l'embarrasser quelque peu. Grande pureté vocale dans son solo "Comme autrefois" et prenante intensité là aussi dans ses duos avec chacun de ses deux partenaires.

Le baryton-basse Nicolas Testé s'acquitte fort bien du rôle discret du grand-prêtre Nourabad.

La mise en scène de Penny Woolcock met à juste titre l'accent sur les échanges et interactions entre les interprètes, et quelques éléments modernes (montre-bracelet, t-shirts, frigo, téléviseur, journaux) s'insèrent sans faire trop de vagues dans ce décor oriental et maritime.

Bref, deux heures et demie de pur plaisir, pour moi et pour les très nombreuses personnes qui se sont présentées samedi au cinéma Jonquière. On faisait même la queue dans la minuscule entrée pour acheter des billets: je n'avais pas vu ça depuis longtemps.

 

Opéra: bon Pag, bad Cav*

Les anglophones appellent Cav/Pag, ou encore Cav and Pag le programme qui réunit habituellement les opéras Cavalleria Rusticana, de Pietro Mascagni et Pagliacci, de Leoncavallo.
Leur relative brièveté (70 minutes chacun environ) permet de les présenter en une seule soirée. Ils ont aussi en commun l'époque de leur création (1890-1892), et leur style texto-musical: le vérisme italien.
Ils avaient également en commun, dans cette production du Metropolitan Opera (vue en direct samedi au cinéma Jonquière), deux interprètes de rôles principaux, ainsi que le metteur en scène David McVicar, le chef d'orchestre Fabio Luisi et l'équipe de production.

Cependant pour moi, tout les a séparés: j'en ai aimé l'un et pas l'autre.

Cavalleria Rusticana, présenté en premier, m'a semblé sombre, triste... et bien long!
Peu de substance pour les chanteurs, sauf quelques airs. La soprano Eva-Maria Westbroek erre sur la scène pendant la sublime et très longue ouverture orchestrale, multipliant les expressions angoissées ou désespérées, se tordant les mains et se tenant le ventre (elle est enceinte...) pendant que l'orchestre joue et que les villageois se promènent un peu partout ou tournent sur le plateau mobile sans avoir eux-mêmes grand-chose à faire.
Quand elle chante enfin, c'est quasi désastreux: timbre désagréable, ton mal ajusté. Ses partenaires sauvent la mise, vocalement parlant, mais je suis demeurée de marbre: impossible pour moi de croire à ce drame de l'honneur trahi et de la jalousie, car rien de tout cela ne m'est apparu vraiment incarné dans le jeu ou dans la voix.

Par contraste, Pagliacci fut un régal du début à la fin.
Un propos riche qui pose des questions sur la représentation et le réel, une pièce dans la pièce, une mise en abyme où la tragédie fait brutalement irruption dans la commedia dell'arte.
Dans un décor de cirque ambulant, Paillasse, Colombine et Arlequin sont projetés dans les années 50 et servis à la sauce américaine, à la fois les personnages et ceux qui les incarnent avec une vulgarité bien assumée. Drame exposé rapidement et conclu rondement, émaillé de quelques grands airs.

Côté distribution, après leurs efforts demeurés vains dans dans Cavalleria, le ténor Marcelo Àlvarez offre un bouleversant Canio-Pagliaccio (ci-dessous dans Vesti la giubba) et le baryton George Gagnidze présente un Tonio-Taddeo assez honnête.

La soprano Patricia Racette (Nedda-Colombine), très en chair et en voix, conduit le tout avec une belle assurance.

Seul Lucas Meachem, le colosse qui interprète Silvio, l'amant de Nedda, laisse une étrange impression: sa voix pourtant agréable semble carrément faible, éteinte, peut-être à cause d'une mauvaise prise de son, je ne sais trop.
Annoncé dès le début, le drame se développe par touches progressives et se conclut dans le sang, sur une musique formidable, qui vibre bien sous la baguette de Fabio Luisi.

 ________________

* Ce titre est un clin d'oeil au film québécois Bon Cop, Bad Cop, réalisé en 2006 par Éric Canuel

** Le critique du Devoir Christophe Huss a quant à lui davantage aimé Cavalleria Rusticana

*** C'était le dernier opéra du Met présenté au cinéma pour la saison 2014-2015

**** A Montréal et dans plusieurs grandes villes, des reprises de ces opéras déjà diffusés seront présentées au cours des mois qui viennent

***** Au programme de la saison 2015-2016: Il Trovatore, Otello, Tannhaüser, Lulu, Les Pêcheurs de perles, Turandot, Manon Lescaut, Madama Butterfly, Roberto Devereux et Elektra.

 

Musique, plaisir et Contes d'Hoffmann

S'asseoir, écouter, s'abandonner. Se laisser emporter par la musique, le rêve, dans la fantasmagorie d'un monde irréel. Comprendre que cette histoire qui nous est racontée, bien qu'invraisemblable et fantastique, nous parle et parle de nous, de l'humanité, de l'amour, des secrets enfuis et enfouis.
Ainsi ai-je vu Les Contes d'Hoffmann, en direct du Metropolitan Opera, au cinéma Jonquière samedi.
Un spectacle, comment dire, vivant, dynamique, organique, grâce aux interprètes, complètement là, dans leur rôle, dans l'histoire, dans le décor.
À commencer par Vittorio Grigolo, qui nous a offert un merveilleux poète Hoffmann: belle voix bien timbrée, expressivité qui nous séduit dès le début avec la légende de Kleinzach (cliquez ci-dessous pour entendre cet air interprété par Rolando Villazón), le premier des multiples arias et beaux airs dont est tissé cet opéra de Jacques Offenbach.

Le compositeur, que l'on surnommait le roi de l'opérette, est mort avant d'avoir complètement terminé cette oeuvre fort différente de ses précédentes, mais portant néanmoins son style et sa sa signature dans la richesse, l'éclat et l'inventivité de la mélodie et de l'orchestration.
La scénographie et la mise en scène, avec ces groupes de personnages bigarrés (choristes et danseurs) portant des costumes hétéroclites inspirés par différentes époques et cultures, ont quelque chose de décadent et de lascif, un peu à la Fellini (même si le metteur en scène Bartlett Sher disait à l'entracte avoir puisé son inspiration chez... Kafka).

Une atmosphère somme toute d'inquiétante étrangeté, surtout dans l'acte consacré à la poupée-automate Olympia, lui-même tiré d'un récit de E.T.A. Hoffmann auquel Sigmund Freud fait référence quand il élabore ce concept.

L'extraordinaire Grigolo est entouré d'interprètes également magnifiques: que ce soit Kate Lindsey (la Muse et l'étudiant Nicklausse), Erin Morley, extraordinaire d'agilité vocale dans l'air d'Olympia (cliquez sur la photo ci-dessus pour l'entendre), Hibla Gersmava qui propose une émouvante Antonia, ou encore le baryton Thomas Hampson qui assume avec élégance et assurance les quatre vilains. Les rôles secondaires sont également de haute tenue et tout ce monde prononce le français de façon remarquable, faisant honneur à l'admirable livret de Jules Barbier.

L'orchestre, sous la baguette du chef franco-ontarien Yves Abel, accomplit un excellent travail.

Bref, ce fut un enchantement du début à la fin, ponctué par les arias comme 
Elle a fui la tourterelle, O Dieu de quelle ivresse, Belle nuit (la barcarolle), Les oiseaux dans la charmille, Scintille diamant, Non c'est la méthode, comme autant d'étoiles dans ce beau firmament musical.

Un bémol

Une petite réserve toutefois au sujet du dernier acte et de l'épilogue, qui  m'ont semblé escamotés, comme si on était pressé de conclure. Le reflet volé, le meurtre de Schémil, le départ de Giulietta, puis celui de Stella, la révélation de l'identité de Nicklausse, tout ça se bouscule dans une certaine confusion.

Une deuxième fois

Je voyais cette production pour la deuxième fois. La première fois, c'était en 2009, également au cinéma Jonquière. Même mise en scène, distribution différente, sauf pour Kate Lindsey. J'avais beaucoup aimé également. Mon compte rendu est ici.